选自《音乐周报》
如果说乐感是多方面综合而成的，那么最为重要的是什么呢？是旋律感、节奏感、结构感和想象力。本期，我们先来谈谈旋律感。
不知有多少大师说过：“衡量一个钢琴家的优劣，关键是看他能不能用钢琴歌唱。”这个“歌唱性”的问题我在前文谈声音的过程中已经说了不少，但谈到建立内心的“旋律感”，也还是要将其置于首要位置。
所谓旋律，即由一系列乐音按一定的音高和一定的时值组合在一起所构成，自然会形成一个或曲折或平直的线条。有线条就有起伏，有起伏就有结构与句法，有了结构与句法就必然含有内在的走向与倾向性。我们内心的“旋律感”，就体现于是否能够捕捉并感受到这个走向与倾向性。
对于培养声乐性的旋律感，最直接的办法就是通过自己的演唱来体验。通过唱的实践可以自然而然地找到旋律中的分句、呼吸、起伏、气息、表情、语气等种种要素，然后再经过自己对乐曲内容的理解，寻找和设计出乐句的重心及走向。为此目的，永远不要羞于自己的嗓音不好，也不必在乎是不是音准或跑调（唱不上去就低八度，唱不下去就高八度，无关紧要）。我们要的是以此找到旋律的气息，找到内心最自然的感觉。我不相信哪个歌唱性的旋律用自己嗓子和呼吸找不到感觉，却能通过手找到。课堂上我很少要求学生唱（弹钢琴的人几乎都对唱有些难为情，勉强唱也找不到感觉），但是我会坚决要求他们独自关在自己的琴房中放开喉咙唱唱。我自己就经常在课堂上或乐队排练时放声大唱。为了什么呢？为了传递旋律感，唱一句可能会比说一百句都有用。
我在小学时期就被选入北京市少年宫的“友谊合唱团”，唱过不少童声合唱的中外作品，还担任过领唱。当时绝没想过以后会去搞音乐，现在回想起来实在是一个值得庆幸的宝贵经历。
要唱就要呼吸，这就必然牵扯到一个极其重要的问题。一个歌唱家或戏剧表演艺术家，呼吸自然是他们最为讲究而不可疏忽的大事。作品中的情绪、韵味全仗于此。联系到我们的钢琴演奏，又何尝不是呢？我们通常在评论艺术表现力时最常用到的“气质”“气息”“气度”“气势”“气魄”，或“大气”“小气”“灵气”“土气”等词汇，足见音乐中的“气”之重要，而“气”的基础就是呼吸。生命必然伴随着呼吸，没有呼吸就没有生命，理所当然，没有了呼吸的音乐就必然成为了没有生命的音乐。
讲究呼吸就必然要讲究句法。那么在音乐的旋律中何为文法与乐句？何为语感和语气？究其本源，均由呼吸掌控。谁都知道莫扎特的乐曲最难弹好，为什么？尽管音色、节奏、层次、结构等方方面面都有无限考究的难题，但最难于掌握的就是旋律的语感和语气。只有将旋律演奏得像说话一样的自然，才能表达出莫扎特音乐特有的亲切、真挚、朴素和生动。
对一位歌唱家来说，旋律与歌唱似乎是分不开的一回事，但对钢琴家来说，旋律却远非歌唱二字能够涵盖。因为在钢琴作品之中，还存在有大量的无法演唱的旋律，也可以说在钢琴音乐中除了“声乐性的旋律”还有一种“器乐性的旋律”。
正是由于器乐性的旋律无法演唱，所以很容易被我们弹钢琴的人所忽略，也很容易被一些表面的技术要求所掩盖。然而它在艺术作品中又几乎无所不在，比如在舞曲、练习曲、托卡塔、塔兰泰拉、无穷动等类型的作品中。在这类作品中，尽管手指跑得飞快，尽管找不到呼吸的时间，可旋律线条还是清晰地处于主导地位。
即使是声乐性的旋律，被作曲家“搬”到钢琴上之后，也可能会变为无法演唱了，我们却切不可因此而放弃内心的歌唱。由于在音域上摆脱了嗓音的局限，在气息上摆脱了肺活量的局限，使得“歌声的旋律”如插上翅膀，翱翔于无垠太空。想想看，把那些用嘴唱不来的美妙动听的“歌声”用手“唱”出来，不正是钢琴这个乐器的过人之处吗？可在现实当中，却有很多人只顾技术的表现，将注意力集中于速度、准确、均匀、颗粒性等方面，而置其旋律性于脑后。无论旋律如何美妙动听，只管演奏得像一台没有生命的机器。我会经常提醒学生：以莫扎特为例，他的作品中音阶与琶音的跑动满目皆是，切不可弹成像基本练习时那样机械的手指练习，那一切可都是“旋律”呀！
还要提及的是，即使在主调音乐中，其伴奏部分的和声进行和低音进行中也隐藏有旋律线（比如在肖邦的作品中几乎俯拾皆是），有些作曲家会将其标识出来，有些则要靠演奏者用心去感受与发掘。至于复调音乐，多声部的旋律交织就更不必说了。
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